Сегодня издательские программы имеет практически каждая крупная арт-институция: одни книги становятся следствием творческих лабораторий, другие заполняют лакуны в классическом искусствознании, третьи — реактуализируют выставочные проекты. В это время на маргиналиях художественного процесса независимые галереи и художники избирают издательские практики, релевантные собственным эстетическим задачам. Настоящий разговор будет посвящен многообразию отечественных подходов издания книг об искусстве последних лет.

Поговорим о том, как зародилась культура кабаре и артистических заведений Серебряного века, бросившая вызов свету и давшая кров новым формам жизнетворчества.

Вечеринки в подвалах, сокрытая в тени интимность и неумолимое творческое горение наполняли места, ещё недавно неинтересные светскому обществу. Это были подвалы, мансарды и бывшие прачечные, которые, наполнившись артистами и поэтами, вдруг обратились в модные и даже культовые места. Эти новые заведения манили светские круги, и стали убежищем посреди революционного распада. Причудливая культура подобных пространств живыми нитями связана с современной городской средой. Взглянем на истоки богемного блеска андеграунда.

В современном арт-мире одного таланта недостаточно: необходима продуманная стратегия, сочетающая творческую уникальность с грамотным позиционированием.

Marina Gisich Project приглашает на дискуссию, посвящённую практическим инструментам продвижения художника. Эксперты галереи, которая на протяжении 25 лет работает с ведущими современными авторами и выстраивает их карьеру от первых выставок до музейных собраний, поделятся реальными кейсами и работающими схемами.

Мы привыкли думать о культуре как о пространстве диалога. Но что происходит, когда сами сообщества — театральные трупы, галерейные общности, художественные группы переживают кризис и распадаются? Где искусство ищет новые точки опоры: в замкнутом «коммунальном» быте, или в рискованном «лиминальном» пограничье.

За 90 минут мы вместе с практиками и теоретиками обсудим это на живых примерах: от театральных проектов до уличных фестивалей, от галерейных стратегий до философских обобщений.

Пока общество переживает кризис общностей, мы делаем проект, где художники с ментальными особенностями развивают художественные навыки и реализуют, как индивидуальные, так и совместные, проекты. Те, кого принято описывать через изоляцию, участвуют в формировании нового визуального языка и смыслов. На артист-токе мы (кураторы проекта) хотим обсудить, что происходит, когда искусство существует внутри благотворительности? Как расставлять приоритеты: заказ или авторский стиль? Кого считать авторами произведений?
РАС на ARS — разговор о том, как особый взгляд расширяет возможности искусства.

В рамках дискуссии мы обсудим, как современные художники, работающие в различных направлениях и техниках, представят свои недавние проекты, связанные с темой лиминальных состояний, а также поделятся своими наблюдениями о том, какие вопросы нынешнее время ставит перед молодыми авторами.

В рамках дискуссии мы обсудим, как современные художники, работающие в различных направлениях и техниках, представят свои недавние проекты, связанные с темой лиминальных состояний, а также поделятся своими наблюдениями о том, какие вопросы нынешнее время ставит перед молодыми авторами.

В лекции рассматривается феномен постпамяти, введенный Марианной Хирш, в современном танце на примере классических работ представителей современного танца Пины Буш и Мередит Монк, а также современные примеры работ Терезы де Кереесмякер и коллектива “Айседорино горе”. Исследование опирается на такие области гуманитарных наук как memory и trauma studies а также работы Жака Деррида и Зигмунда Фрейда. В ходе лекции мы рассматриваем смежные концепции Пьера Нора “места памяти”, “повторяемости” Фрейда и “меня-памяти” Алейды Ассман и концепции архива Жака Деррида, которые раскрываются на примерах из вышеперечисленных хореографических работ.

Накануне финального перформанса лаборатории Алины Кугуш “Мой любимый монстр, монстр-парадайс” художница приглашает Лию Левин для перекрестного интервью и беседы об истоках искусства соучастия в их личной практике. Художницы поговорят об искусстве, которое невозможно без непосредственного участия зрителя и почему в некоторых случаях это естественная и необходимая форма внимания к пространству и заботы о зрителе.

Лекция про изменение роли посредника между человеком и культурой: раньше аудитория сама искала афишу, выбирала институцию и собирала культурный маршрут; сегодня появляется специалист, который знает контекст, чувствует аудиторию и проектирует для нее целостный культурный опыт. Здесь важно разобрать, чем культурный консьерж отличается от куратора, продюсера, арт-менеджера и event-специалиста — и почему такая профессия возникает именно сейчас.

«Пушкинская-10» — главная точка на карте независимого искусства Петербурга, место, где в 1989 году группа неофициальных художников превратила расселённый дом в крупнейший сквот Ленинграда. Сегодня это свободное пространство, объединяющее пятнадцать галерей, концертные площадки, театр, мастерские и единственный в России Музей нонконформистского искусства. Как легендарному сквоту удалось стать культурным центром, что остаётся от духа свободы спустя десятилетия и чем живёт пространство сегодня?
На эти вопросы ответит Анастасия Пацей — директор Музея нонконформистского искусства на Пушкинской-10, куратор и продюсер культурных проектов, с 2010 года входящая в кураторскую команду, а с 2015-го возглавляющая музей. Она расскажет об истории места, его повседневной жизни, вызовах и проектах, рождающихся в стенах легендарного арт-пространства.

В конце 2023 года в Нижнем Новогороде в студии Тихая переходила в режим особого осмотра пространства. Во время проекта «Будьте осторожны! Ваша неосмотрительность может быть чревата последствиями» посещение проходило строго индивидуально и в соответствии с определенными правилами.
Соглашаясь на участие в проекте, посетитель получал возможность самостоятельного исследования пространства и его конструктивных элементов, а также принимал ответственность за возможные последствия своих действий.
Почему этот проект возник и кто был за него ответственен? Что общего у проекта и игры The Stanley Parable? И могут ли выставки быть лиминальными?

Зачем бренду покупать современное искусство и как оно работает на репутацию? Участники дискуссии — на реальных кейсах покажут, как корпоративная коллекция превращается в культурный код компании.

Как глина превращается в арт-объект и выгодную инвестицию? Основательница галереи «573» и искусствовед Анастасия Лихолат расскажет, по каким принципам отбирать авторскую керамику в коллекцию, чем студийная работа отличается от конвейерной и почему сегодня художники-керамисты встают в один ряд с живописцами и скульпторами

Почему современные скульпторы подсматривают формы у древних идолов и наскальных рисунков? Художественный руководитель проекта «Улей» Никита Газарян разберет феномен «пещерного модернизма» — направления, которое сочетает брутальность первобытных артефактов с языком минимализма и абстракции. Поговорим о тактильности, грубой фактуре и архетипических образах, которые работают сильнее любых технологий.

Во второй половине XIX века Уильям Моррис сформулировал идею декоративного искусства. Ключевым в ней становится вопрос об орнаменте как способе воспроизводства образов и организации художественного труда. Вместе с лектором проекта Doctrina et Nobiles Трофимом Поповым мы рассмотрим, как современные художники и дизайнеры работают с цифровыми технологиями как с орнаментом на примере работ Дэвида Рудника, Тревора Паглена и дуэта Холли Херндон и Мэта Драйхерста.

Публичная лекция предлагает погрузиться в уникальное явление в мире искусства — ар-брют (фр. art brut), что переводится как «грубое» или «сырое искусство». Это направление, основанное французским художником Жаном Дюбюффе, представляет творчество непрофессиональных мастеров, которые с общественной и психической точки зрения являются маргиналами.

Устойчивое непостоянство — это мир мгновений, который рассыпается, если оставить его вне барочного туго затянутого корсета. Поставьте хаос на стоп-кадр и вы получите порядок — иллюзию объективности и познаваемости внешнего мира.
В формате диалога лекторы займут режиссёрские кресла, чтобы разобрать стоп-кадры вечно возвращающегося барокко.

Публичная лекция искусствоведа Оксаны Ильзиной предлагает молодым художникам карту ориентиров для навигации по российскому арт-рынка. Мероприятие, организованное в пространстве Marina Gisich Projects — площадке, известной поддержкой экспериментальных практик и междисциплинарного сотрудничества, — затронет ключевые аспекты взаимодействия между творцом и галереей. Участники смогут узнать о правилах игры, которые определяют путь художника от мастерской до выставочного зала и коллекционера.

Публичная дискуссия предлагает обсудить роль фундаментального художественного образования в современном искусстве. На примере трех практиков — Алины Кугуш, Антона Левина и Романа Круглова — участники исследуют, как академическая школа может становиться платформой для радикальных экспериментов, источником критического переосмысления или основой для выставочной деятельности. В центре разговора — личный опыт преодоления, трансформации или адаптации наследия Академии в актуальных художественных процессах.

В течение последних полутора столетий во всех областях европейской культуры: живописи, литературе, музыке, философии появлялись персонажи, имена которых в одночасье окружил ареол славы — эти люди казались современникам, только что узнавшим о них, гениальными авторами чего-то нового, небывалого, достойными того, чтобы их сравнивали с величайшими гениями прошлого — дальнейшая судьба такой известности складывалась по-разному. Этому феномену посвящена лекция.

В современном мире, где цифровые технологии кардинально меняют арт-рынок, художнику необходимо умение выстраивать коммуникацию с аудиторией и осознанно формировать собственный бренд. В рамках публичного Talk петербургская художница Елена Романцова поделится своим взглядом на стратегии продвижения в digital-пространстве.

Этот Public Talk предлагает уникальную возможность проследить творческий путь многогранной художницы Александры Соко – от академической школы живописи к экспериментам в области цифрового искусства и саунд-перформансов. Разговор раскроет, как классическое образование взаимодействует с самыми актуальными формами искусства, и как один художник может существовать в столь разных измерениях, создавая целостный творческий универсум.

Искусство XX и XXI веков радикально расширило свои границы, предложив зрителю принципиально новые формы — от акционизма и перформанса, стирающего грань между художником и публикой, до создания целых цифровых миров. Эти явления больше не умещаются в рамки традиционных жанров, превращая само пространство жизни в художественную лабораторию, а социальные взаимодействия — в инструмент творческого высказывания.